Buscamos op art en ropa. Estilo op art en la ropa Historia del arte óptico.
El nombre del estilo op art proviene del inglés. “op art”, abreviatura de arte óptico - “arte óptico”. Este movimiento neovanguardista de arte abstracto surgió en la década de 1950 y se generalizó en Europa y Estados Unidos en la década de 1960. Se ha convertido en una de las alternativas intelectuales al arte pop de los medios de comunicación.
Artistas del op art como Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz y otros crearon espacios ilusiones ópticas e imitación de movimiento con la ayuda de formas geométricas simples que se repiten y fluyen entre sí.
En la foto: modelo Versailles de la fábrica Bisazza, diseño de Braga Marco.
Aunque tuvo poca incidencia en la arquitectura, el op art tuvo una gran influencia en el diseño gráfico y la decoración de interiores. Así, las paredes se cubrieron con papel tapiz multicolor con muaré y patrones concéntricos que imitaban el movimiento y la vibración, o se decoraron con grandes paneles de pared ("Supergraphics"). Para aumentar visualmente el volumen de la habitación se utilizaron diversos efectos ópticos. Ejemplos vívidos Aquí pueden servir la famosa piscina pintada y una escalera con barandillas "reales" que descienden a ella, así como una "puerta" ligeramente abierta a una habitación inexistente. La ilusión de movimiento espacial, elevación y fusión de formas se logró con la ayuda de colores nítidos y contrastes tonales, repeticiones rítmicas, la intersección de configuraciones en espiral y reticular, y líneas retorcidas. Se utilizaron a menudo instalaciones de iluminación cambiantes, diseños dinámicos, materiales con superficies reflectantes (metal, vidrio, plástico) y diversos tejidos.
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En el diseño de los muebles predominaron las líneas suaves y curvas y las combinaciones de colores contrastantes (blanco – negro). La mayoría de las veces estaba hecho de materiales transparentes con una superficie reflectante (vidrio, plástico, hilos metálicos entrelazados del marco).
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Un estilo que existía en la década de 1920 principalmente en Rusia (en arquitectura, decoración, carteles, artes teatrales y decorativas, publicaciones, construcción, diseño).
arte óptico(del concepto inglés de arte óptico): crear la ilusión de movimiento sobre una superficie plana utilizando formas geométricas. Al crear ropa de estilo op art, se utilizan colores brillantes y contrastantes.
Historia de la apariencia
En 1938, Victor Vasarely presentó su cuadro "Cebras", que se convirtió en la primera obra emblemática del estilo op art. Al mismo tiempo, por primera vez se empezó a utilizar una nueva geoimpresión en bolsos de moda. casas hermes, pero el estilo no ganó popularidad definitiva hasta 1965, cuando sus obras se presentaron en Nueva York en la exposición "The Responsive Eye".
Al mismo tiempo, Yves Saint Laurent centró su atención en los estampados geométricos y lanzó una colección de vestidos de cóctel. silueta recta con células grandes y brillantes. Estos vestidos tenían el corte más regular y sencillo sin mangas ni cuello. El nombre del vestido se le dio en honor a la inspiración: "Modrian".
Al gran modisto le siguieron: la creadora de minifaldas Mary Quant, Larry Aldrich, André Courrèges: todos lanzaron vestidos y accesorios con estampados geométricos inusuales y formas en estilo op art. Simultáneamente con el lanzamiento de las colecciones de estos diseñadores, las revistas de moda comenzaron a imprimir en sus páginas fotografías de personas vestidas con prendas con patrones de cuadrados, triángulos y diamantes. El estampado geométrico en diferentes variantes fue reconocido como símbolo de la década.
En 2001, hubo un resurgimiento de esta impresión. El op art en ropa apareció en las páginas de Vogue francesa. Diez años después, los diseñadores de moda empezaron a utilizar este estilo en la ropa de forma masiva. Los vestidos con motivos geométricos fueron presentados por todas las principales casas de moda y los diseñadores de moda que trabajan bajo la marca Louis Vuitton bordaron vestidos con piedras lisas de colores.
¿Con qué y cómo llevar ropa op art?
La mejor manera de lucir elegante es combinar ropa op art con prendas de vestuario de colores lisos. De esta manera definitivamente no sobrecargarás tu look con estampados y colores activos.
Si tiene un sentido del estilo desarrollado de forma natural, entonces puede mezclar sabiamente diferentes estampados geométricos en un solo look o usar ropa op art junto con motivos florales, orientales y animales. Si quieres crear un look moderno con dos geoprints, sigue la regla del un solo color: ambas prendas de tu guardarropa deben tener al menos un tono común.
Visualmente, esta ropa puede ocultar casi cualquier imperfección de la figura, alargar la silueta y eliminar el exceso de volumen. Cuanto más sencillo esté el artículo, mejor se verá. Al elegir ropa op art, se requiere una prueba obligatoria. Con su ayuda, puedes evaluar qué tan bien se ve la imagen.
Hoy en día puedes encontrar una amplia variedad de conjuntos, que se diferencian en corte, estilo, corte y color. Pero algunos de los más sorprendentes son, quizás, los creados en estilo op art.
Historia del op art
Como tendencia de moda, el op art en la ropa apareció a principios de los años 50 y 60 del siglo pasado y se convirtió en uno de los nuevos productos de esa época. El nombre está abreviado; se pronuncia en su totalidad como "arte óptico" y se traduce del inglés en el sentido literal de la palabra: arte óptico.
Su esencia radica en el hecho de que con la ayuda de formas geométricas que se repiten repetidamente, se crea un efecto de volumen o movimiento sobre una superficie absolutamente plana. Conocemos estos dibujos desde hace mucho tiempo, pero nunca pensamos cómo se llamaban.
Al principio, los artistas utilizaban el op art. Y, según datos históricos, su fundador fue un tal Victor Vasarely, quien pintó su legendario cuadro "Cebras" en 1938.
Los diseñadores estadounidenses fueron los primeros en decidir utilizar la ilusión en las telas. Gracias al nuevo enfoque, pudieron crear conjuntos que "suavizaron" visualmente la figura, haciendo que el pecho y las caderas fueran más expresivos y la cintura más delgada.
Uno de ellos fue Yves Saint Laurent, que utilizó grandes y vestidos de coctel para otoño-invierno 1965-1966. Hoy en día, el op art ha regresado gracias a Vogue, que publicó la fotografía “Op position” en 2001, donde se utilizaban impresiones ópticas.
Los artistas modernos pueden crear dibujos que se mueven en ondas bajo nuestra mirada o cambian de forma. Aunque si nos fijamos bien parece que todo sigue como estaba y al mismo tiempo, de nuevo, parece que algo ha cambiado. Un enfoque interesante, debo decir.
El arte óptico hoy
La alta costura nunca se mantiene al margen de tales innovaciones y, por lo tanto, el año pasado y este año se pudo encontrar op art en la ropa. Además, se utiliza regularmente en muchas colecciones de las marcas más famosas. Así, a las marcas Alexander McQueen, Anna Sui, Roberto Cavalli, Yves Saint Laurent, Climence Ribiero, Top Shop y muchas otras les gustaban las formas geométricas.
Utilizaron ampliamente rombos, triángulos, líneas oblicuas y rectas, así como patrones suaves de flores y formas simplemente abstractas. En cuanto al color, la regla principal aquí es una combinación de contraste y colores brillantes, por lo que la ropa de este estilo no puede ser gris y discreta. Los tonos más importantes, por supuesto, son el blanco y el negro. Puedes crear las variaciones más increíbles a partir de ellos.
En la temporada otoño-invierno 2012-2013, se pudieron ver conjuntos de este estilo en las obras de Rochas, Prada, Versus y Miu Miu. Y basta ver la colección de ropa de primavera de Louis Vuitton para 2013, donde se utilizó el patrón principal. Blanco y negro, amarillo, verde, marrón y otros colores brillantes.
Reglas para elegir ropa en estilo op art.
Al comprar ropa en estilo op art, debes comprender que con su ayuda puedes lograr una apariencia más perfecta. Por lo tanto, las líneas oscuras a lo largo de los lados hacen visualmente a una mujer más delgada, y las líneas horizontales a lo largo de todo el vestido pueden convertir a una chica delgada con un busto pequeño en una belleza bastante expresiva. Asimismo, los diseños verticales te hacen parecer más alto.
Es muy bueno usar esta ropa para chicas regordetas. Se puede realizar mediante el método francés, cuyo objetivo es enfatizar las principales ventajas de la figura, o el método ruso, diseñado para ocultar defectos.
Pero al crear su imagen a partir de tales conjuntos, debe tener mucho cuidado para lucir hermosa, no llamativa ni antiestética. Para ello hay que tener en cuenta que si se tiene un traje en el que tanto la parte superior como la inferior contienen los llamados estampados psicodélicos, los complementos deben elegirse monótonos y lo más tranquilos posible. Un bolso de mano monocromático y los mismos zapatos también combinarán bien con todo esto.
Si lo deseas, puedes incluso combinar dos estampados geométricos diferentes, lo principal es que tengan el mismo esquema de color o las mismas formas de los patrones. Sin embargo, es muy posible combinar el op art con diseños completamente diferentes: animales o florales. En este último caso, es importante que uno de ellos sea dominante y el otro complementario.
Aquí lo tienes dirección interesante, a lo que definitivamente se debe prestar atención si quieres lucir bella e inusual.
Los años sesenta se convirtieron en la década de las subculturas juveniles, la moda excéntrica de “papel” y “plástico” y el minimalismo. europeo y adolescentes americanos protestaron contra las políticas de sus estados, demostrando actitud negativa a una sociedad de consumo a través de la ropa de segunda mano. Ignorar a los modelos de diseñador por parte de los jóvenes no impidió el debut de alto perfil de Yves Saint Laurent y Valentino Garavani, que también ocurrió en los “locos años sesenta”. "Si recuerdas los años 60, entonces no estabas vivo", dijo el productor de The Doors, Dick Wolf.
"¡Cuanto más loco, mejor!"
Quizás la tendencia de moda más extravagante de los años 60 fue estilo espacial. En 1961, esto influyó no sólo en el desarrollo de la ciencia, sino también en la moda. Los diseñadores se inspiraron en nuevas perspectivas y comenzaron a crear modelos extraños y "extraterrestres". El pionero de la "moda espacial" fue el diseñador André Courrèges, cuyos fans llevaban botas lunares y gafas de sol en forma pelotas de tenis. Courrèges creó vestidos cortos e infantiles, adornándolos con lentejuelas brillantes y accesorios inusuales.
Para tales modelos, los artificiales resultaron ser más adecuados que los artificiales. materiales naturales- sintéticos, plástico, vinilo. Los diseñadores de moda decoraron vestidos con discos de vinilo y los utilizaron para sujetar los elementos de un traje de baño. También se utilizó metal como material. Por supuesto, los monos brillantes, los cascos de formas extrañas y los protectores oculares no echaron raíces en las calles, pero las pasarelas en ese momento estaban llenas de modelos "espaciales" inusuales, creados por famosos diseñadores de moda y.
La moda de las fibras sintéticas se ha convertido gradualmente en una tendencia a crear prendas a partir de materiales que antes se utilizaban para fines completamente diferentes. Los diseñadores experimentaron con materiales fabricados para trajes espaciales, ropa de deporte Y uniforme militar. Las modelos desfilaron por la pasarela con prendas hechas de vinilo y dacrón que, en comparación con la moda parisina conservadora de décadas anteriores, parecían súper originales e incluso revolucionarias. La excentricidad de los conjuntos propuestos por los diseñadores se consideró una ventaja: para muchos, la década de 1960 transcurrió bajo el lema: "¡Cuanto más loco, mejor!" Junto a las tendencias del “plástico” y el “vinilo”, durante este período también se produjo en el mundo de la moda un “boom del papel”.
En 1966, en Estados Unidos, la fábrica Scott comenzó a producir ropa, además de artículos de papel para el hogar. Los modelos de papel estaban disponibles en dos colores: blanco y negro y amarillo, negro y rojo. La colección se llamó “Explosión de Color” y se recomendó cambiarla con unas tijeras y repararla con una hoja de papel. Un vestido similar se podía usar hasta cinco veces y los modelos "de papel" se vendían en tiendas especiales. Los fabricantes presentaron los nuevos trajes como la encarnación de una brillante idea innovadora y una obra de arte moderno.
habiendo atrapado nueva tendencia V producción en masa, los diseñadores comenzaron a crear modelos en papel. Los periodistas y el público apodaron a Eliza Dabbs y Harry Gordon, que confeccionaban vestidos a tres dólares cada uno, “modesteros de papel”. Sin embargo, no todos los diseñadores eran tan democráticos: a menudo los precios de los modelos en papel podían compararse con los de los trajes de alta costura. En Nueva York, en Madison Avenue, se inauguró la boutique Paraphenalia, que vende plástico y ropa de papel. “Cualquiera que trate la ropa con patetismo es repugnante. Después de todo, son sólo prendas. Deben ser divertidas, no pueden tomarse en serio”, dijo uno de los fundadores de Paraphenalia, cofundador de la boutique de culto. , expresó los sentimientos de los jóvenes.
arte en la moda
En el contexto de la popularidad de las pinturas "Botellas verdes de Coca-Cola" y "Latas de sopa Campbell", Warhol comenzó a transferir sus famosos dibujos a la tela. Creando ropa a partir de sus propios bocetos, lanzó "Botella", "Fragilidad". vestidos y la camisa “Soup”, que se hizo popular “Campbell”. Otros diseñadores también utilizaron dibujos en estilo pop art en sus modelos, haciendo de la transferencia repetida de objetos familiares a la tela una de las tendencias de moda más llamativas de los años 60.
Si la influencia del cine en la moda se dejó sentir en décadas anteriores, la pintura penetró en la industria de la moda recién en los años sesenta. Otra tendencia que se reflejó ampliamente en la ropa de masas fue el estilo op art. Las pinturas realizadas en este estilo se basaban en efectos de iluminación y el contraste de colores blanco y negro. La tendencia a expresar los sentimientos humanos mediante efectos ópticos comenzó en los años cincuenta y se generalizó a mediados de los sesenta. Los lienzos contrastantes en blanco y negro a menudo mareaban a los espectadores, y los diseñadores de moda se sentían atraídos por el estilo op art por su simplicidad gráfica y novedad. Por lo general, estos modelos de ropa eran de corte simple, lo que, sin embargo, quedaba más que compensado por las imágenes distorsionadas representadas en la tela. formas geométricas, círculos estilizados y espirales y rayas monocromáticas. “La nueva ola de diseño sobre telas se llamó op art. La arquitectura moderna y la pintura se convirtieron en la base del diseño. No quedó ni rastro del romanticismo”, escribió la revista Neue Mode en 1966.
La nueva moda, algo excéntrica, gozó de gran popularidad entre los adolescentes. Entre los diseñadores de moda que se inspiraron en las nuevas tendencias de la pintura se encuentran Larry Aldrich, Andre Courrèges. Este último, en 1965, presentó al público una colección basada en la obra de uno de los fundadores de la pintura abstracta, Piet Mondrian. Los diseñadores de moda ofrecieron una gran variedad de accesorios extravagantes y contrastes de color, pero fue la yuxtaposición del blanco y negro la que se convirtió en el verdadero éxito de la década. Desde los años 60, los diseñadores se han inspirado constantemente en otras formas de arte, confirmando así que la belleza no es una categoría constante, sino variable.
"Radical chic" y el estilo de las subculturas.
Junto con las capitales mundiales de la moda, París y Milán, Londres comenzó a dictar su estilo en los años 1960. Las principales publicaciones llamaron a la capital inglesa un nuevo centro de estilo y moda, y los diseñadores británicos, desafiando al conservador París, ofrecieron modelos extravagantes que se convirtieron en un verdadero símbolo de la década.
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial y la superación de la crisis, la situación financiera de los países europeos empezó a mejorar. Los jóvenes dedicaron más tiempo a la música, el cine y otros entretenimientos. Así que la moda estadounidense de jeans y chaquetas de cuero penetró en el estilo londinense, y los emigrantes de las antiguas colonias británicas llevaron el estilo de la India occidental a la capital de Inglaterra. La nueva tendencia, formada bajo la influencia de diversas tendencias y culturas, estaba dirigida principalmente a los adolescentes. En las calles de Londres de aquella época se podían encontrar jóvenes en trajes étnicos y “rebeldes” con camisetas y jeans gastados. En 1966, la revista Time publicó un artículo titulado "Londres - Swing City". A finales de la década se estrenaron películas que reflejaban el espíritu revolucionario de la época: Blow-Up de Michelangelo Antonioni y The Spectacle de Nicolas Roeg. Al mismo tiempo, aparecieron tiendas minoristas en Carnaby Street, que se había convertido en un lugar icónico del “Londres dinámico”. En la década de 1960, las boutiques ofrecían diseños revolucionarios a los jóvenes y la calle se hizo famosa en todo el mundo como centro de moda independiente.
Los sentimientos rebeldes de los años cincuenta se trasladaron a los años sesenta. Durante este período, incluso los adolescentes de familias adineradas se vestían en tiendas de segunda mano, enfatizando su exclusividad y protestando contra la sociedad de consumo. En las grandes ciudades se hicieron populares los mercados con ropa retro; los adolescentes no tenían miedo de combinar cosas pasadas de moda de diferentes épocas, sin preocuparse por la moda. Mientras que los jóvenes adinerados demostraban su subcultura vistiendo deliberadamente ropa vieja, para los adolescentes de familias pobres esta tendencia se convirtió en una oportunidad para adaptarse a las tendencias y no gastar dinero. El espíritu rebelde, sin embargo, fue ridiculizado por muchos periodistas, que calificaron la pobreza estilizada como una burla de la pobreza real. El escritor estadounidense Tom Wolfe habló de los jóvenes como niños caprichosos que jugaban a la revolución y calificó el estilo de ropa en sí como "radical chic". Los diseñadores de moda, tratando de complacer los gustos cambiantes, comenzaron a crear modelos al estilo de los años 30 y 40, pero la ropa de diseñador "retro" no era muy popular: la contracultura ignoraba la moda.
El rechazo del estilo femenino y de todas las tendencias populares en décadas anteriores condujo al movimiento más vibrante y masivo de la segunda mitad de los años sesenta: los hippies. “Niños de las flores” que promovían el amor y la paz y que discrepaban de las políticas de sus estados vestidos con ropas exóticas traídas de otros países: ponchos sudamericanos, túnicas indias y tocados esquimales. Los trajes brillantes y ricamente bordados de los hippies se complementaron con joyas enormes, principalmente pulseras y cinturones indios. La filosofía hippie se hizo tan popular que muchos diseñadores de moda notaron el declive del funcionalismo. “En contraste con los estilos romántico y art nouveau, los estilos folclóricos y deportivos, combinados con la colorida ropa mexicana, gozan hoy de un éxito extraordinario”, escribió la revista Neue Mode. Motivos indios inusuales, brillantes y atractivos capturaron toda Europa y América en la década de 1960, y los jóvenes ahora vestían chaquetas "Yeti", faldas coloridas, pantalones acampanados, bombachos turcos, camisas bordadas y abrigos largos de piel. A pesar de que los propios representantes de las subculturas se mostraban escépticos sobre la moda, las publicaciones brillantes escribieron que nuevo estilo merece mucha atención y tiene el potencial de tener un gran impacto en la industria de la moda.
A finales de la década, la ropa psicodélica brillante hecha de materiales artificiales pasó a un segundo plano y el estilo militar se convirtió en un verdadero éxito. Uso de artículos militares en la vida cotidiana También hubo una especie de protesta que siguió a las protestas que se extendieron por Europa en 1968: así los jóvenes intentaron dar un carácter pacífico a la ropa destinada a las batallas. El camuflaje con parches irregulares estaba decorado con símbolos de la paz, las faldas y los zapatos de estilo militar estaban pintados de rojo y colores rosados. Los representantes de diversas subculturas vestían este tipo de ropa, y las chaquetas eran especialmente populares. tallas grandes con simbolos aviación aérea EE.UU. Al mismo tiempo, los diseñadores de moda comenzaron a experimentar con el verde oliva, llamado caqui.
La tendencia hacia el minimalismo y símbolo principal décadas
En la década de 1960 se generalizó la ropa confeccionada con tejidos elásticos. La idea de que era incómodo tener muchas cosas en el armario y que las mujeres podían arreglárselas fácilmente con sólo unos pocos modelos básicos visitó a los diseñadores de moda en los años 1930 y 1940. Claire McCardell propuso en 1934 reemplazar toda la variedad de estilos y modelos con algunos elementos básicos, y a principios de la siguiente década fue la primera en crear leotardos: medias con mangas largas- y lo convirtió en la base de la imagen. cosas basicas El vestuario de la diseñadora de moda incluía un jersey de cuello alto negro y medias. La idea de combinar varias prendas sencillas se hizo realmente popular en los años sesenta, cuando se animaba a las mujeres a tener en su armario únicamente un top, chaqueta, falda y pantalones.
Reducir al mínimo la cantidad de ropa durante este período fue posible gracias a la aparición de tejidos elásticos. En la década de 1960, el diseñador de moda Giorgio di Sant'Angelo comenzó a buscar nuevas formas de crear tejidos. Trabajó con lana e hilo acrílico y también inventó la seda elástica que podía estirarse en cualquier dirección. Tanto los trajes de baño como los tops de noche estaban confeccionados con seda elástica y lycra. El diseñador de vestuario Jacques Fonterey escribió en 1968: "Estoy seguro de que el leotardo, o una de sus variedades, se convertirá en el elemento básico de la vestimenta del futuro". Fonteray tenía razón: fueron los modelos elásticos de los años 60 los que sirvieron de base para la creación ropa moderna- desde chándales hasta vestidos de noche.
La década de 1960 se convirtió en otra década que cambió por completo las ideas sobre las normas. belleza femenina. Si después de la guerra los diseñadores de moda se centraron en las madres de familia y las mujeres con curvas, en los años sesenta la androginia volvió a estar de moda y la famosa se convirtió en un símbolo de nuevos estándares de atractivo. Una adolescente delgada con ojos ingenuamente abiertos apareció en las portadas de las principales publicaciones de moda, y las niñas de todo el mundo comenzaron a seguir dietas estrictas, queriendo ser como su ídolo. Twiggy se convirtió en la primera modelo cuya imagen encarnaba los ideales de la década; los diseñadores de moda crearon ropa para todos; chicas flacas con figuras juveniles. Apareció en revistas de moda y en carteles luciendo minifaldas y vestidos de Mary Quant y encarnó el estilo "muñeca" que fue extremadamente popular en los años 1960. Junto con sus fanáticos, Twiggy también tenía detractores: muchos periodistas la llamaron una chica dolorosamente delgada y "hambrienta", pero esto no impidió la difusión de la moda de la androginia; en los años sesenta, los hombres solían ir con pelo largo, y las mujeres jóvenes preferían cortes de pelo cortos y minivestidos, expresando así su renuencia a crecer.
Debuts de alto perfil de la década de 1960
Los años sesenta marcaron el comienzo de una brillante carrera, que se manifestó en voz alta a principios de la década. En 1957, tras la muerte de Christian Dior, Saint Laurent, de 21 años, asumió el cargo de director creativo de la Casa Dior. Sin embargo, ya en 1960, el joven diseñador de moda creó su última colección para la marca: los ejecutivos de Dior decidieron que el joven diseñador no tenía derecho a imponerse a los fanáticos de la alta costura. estilo callejero, y se despidió de Saint Laurent. Dos años más tarde, el modisto lanzó su primera colección con su propio nombre, para la que creó una chaqueta cruzada con botones dorados y pantalones de seda. Posteriormente, el propio diseñador de moda y muchos otros diseñadores utilizaron este modelo.
Yves Saint Laurent fue uno de los primeros diseñadores de moda que no tuvo miedo de crear prendas revolucionarias al estilo del op art y el pop art, y también propuso esmoquin para mujeres y trajes al estilo de “África” y “Safari”. Combinó audazmente los colores más brillantes, complementando un vestido rosa intenso con una chaqueta canaria, combinando negro con marrón, naranja con rojo y morado con azul.
Otro debut destacado de la década fue la aparición en el mundo de la moda del “jeque de la elegancia” italiano Valentino Garavani. Educado en París, regresó a su Italia natal a finales de la década de 1950, donde abrió una casa de moda que presentó al mundo sus ahora legendarios vestidos rojos característicos. vestidos brillantes acero" tarjeta de visita“Garavani y el diseñador distinguieron treinta tonos de rojo. El debut internacional de alto perfil de Valentino tuvo lugar en 1962, y en 1968 se lanzó su famosa “colección blanca”, compuesta enteramente de cosas. blanco. Al mismo tiempo, el diseñador de moda utilizó por primera vez el logo “V”. Los vestidos femeninos de Valentino se convirtieron en símbolos de una vida lujosa y las estrellas de Hollywood inundaron al modisto con pedidos. En 1968 vestido de encaje de Garavani, en el que se casó con Aristóteles Onassis, apareció en las páginas de casi todas las publicaciones importantes.
Gae Aulenti
Nacido en Italia en 1927.
Destacado arquitecto y diseñador.
En los años 60 ganó fama como diseñadora, creando varias obras sorprendentes. El concepto popular de cinética se refleja en el diseño de la mesa Tour Fontana Arte (1970).
En 1985, junto con Piero Castiglioni, Aulenti desarrolló los sistemas de iluminación Cestello. En apariencia También puedes adivinar las características del op art a partir de estas potentes y únicas lámparas.
Además, fueron desarrollados específicamente para salas de exposiciones y museos.
Diseño de floreros.
Shiro Kuramata (1934-1991)
El diseñador japonés y sus compatriotas fueron, en muchos sentidos, una generación de destacados revolucionarios del diseño.
En 1970 creó forma inusual para una cómoda y llama a su creación Cajones en forma irregular. La tecnología era compleja, por lo que sólo 18 años después la empresa Capellini comenzó a producirla.
La silla How high is the moon fue diseñada en 1986 y tiene un nombre muy poético: "How high is the moon". La malla es el material favorito de Kuramata. El brillo frío de las células recuerda a la luz nocturna de la luna.
Otros nombres (es audaz decir que estas creaciones fueron influenciadas en mayor medida por el op art. Quizás, aquí se expresan las técnicas del arte óptico, pero no el estilo puro de los años 60 en sí).
A. Taylor. Mesa de centro Mariposa
Y por último, mi tema favorito.
En los años 60, los jóvenes luchaban por la libertad y la emancipación. A partir de ahora, los niños y las niñas querían lucir brillantes y extravagantes. El fuerte contraste de las manchas blancas y negras, el estampado llamativo, todo esto dejó una impresión inolvidable. Fue la mejor manera de resaltar una brillante individualidad entre la multitud.
Quizás los fanáticos más fervientes del op art fueron la moda.
Los mods, o también “modernistas”, como primera subcultura aparecieron en Londres a principios de los años 60. Se distinguieron por sus poses excesivas, anduvieron en scooter por las calles de Londres y se posicionaron como personas con un gusto único. Los amantes de la moda fueron los primeros en conocer las novedades en el campo del diseño, la música y el arte, y consideraron que era su deber rodearse de cosas elegantes.
El tema favorito de los ingleses era el op art. Fotografías originales de mods. años 60
El estilo Mod sigue siendo unánimemente reconocido como el estilo de los años sesenta, expresado en la ropa.
El estilo de moda es internacional y también es popular aquí en Rusia. fiestas divertidas Mods que solo están permitidos en ropa al estilo de los años sesenta.
Los años 60 están asociados con el nombre de la diseñadora de moda Mary Quant. La joven inglesa, que se movía en los círculos de la juventud elegante de Londres, era muy consciente del espíritu de la época y encarnaba en sus modelos las mejores tendencias en ropa de los amantes de la moda. Aunque, en esencia, nueva moda-Muy vestidos cortos y abrigos, motivos geométricos y zapatos planos - estaba diseñado sólo para las jóvenes y esbeltas, a finales de los años 60 todas las mujeres vestidas así se convirtieron en un culto.
El famoso peluquero Vidal Sassoon crea el actual peinado de Mary Quant
Bazaar es la primera tienda de ropa Mary Quant en la prestigiosa zona londinense de Chelsea
Mary Quant inicialmente utilizó un patrón real en sus modelos.
Los patrones grandes y contrastantes eran los más adecuados para vestidos rectos y de corte A.
Al mismo tiempo, se realizaba en América una gira del grupo de culto The Who y la exposición The Responsive Eye. Inmediatamente se produjo una fusión de las culturas americana y europea. El op art se ha vuelto tremendamente popular entre los amantes de la moda europea.
En 1966, la Scott Paper Company inventó el vestido de papel, concebido como herramienta de marketing en publicidad, por un dólar las mujeres podían comprar un vestido y además recibir cupones de descuento en los productos de la empresa. El vestido de papel, informe y poco atractivo, no lo era. Un invento que hay que valorar en serio, pero las mujeres sorprendieron a la empresa encargando medio millón de estos vestidos en el transcurso de un año. A muchas les gustó el vestido, que se puede “recortar” fácilmente con unas tijeras y que además no les importa tirarlo. quítelo si se ensucia.
El estampado de patrones ópticos es uno de los diseños más populares en vestidos de papel.
Bridget Riley y Victor Vasarely tenían puntos de vista opuestos,
a la hora de comercializar su trabajo. Mientras que Vasarely creía que el op art debería ser accesible para todos y que los artistas deberían incluso colaborar con empresas textiles, Riley reaccionó con irritación ante el hecho de que su trabajo se utilizara con fines comerciales. Creía que su arte se estaba convirtiendo en “trapos vulgares” y una vez expresó públicamente su indignación contra una marca de Nueva York. Presentó una demanda, pero fue en vano.
Quizás los trabajadores textiles fueron los primeros en apreciar el nuevo arte. Las empresas fabricantes de tejidos contrataron a jóvenes artistas para desarrollar patrones actuales. Nuevas posibilidades de los sintéticos (transparencia, brillo, materiales plásticos), sus propiedades ópticas permitieron expresar mejor tendencias de la moda.
Bárbara Marrón.
Diseño para tela “Expansión”. La compañía de Heal. 1965
En los años 60 apareció el famoso patrón de celda en blanco y negro, que llamamos “pata de pollo”. De hecho, la estructura de la celda se compone de elementos modulares, cuyo contorno se asemeja a la huella de un pájaro. Este dibujo sigue siendo relevante hoy en día y se utiliza a menudo en ropa clasica alta calidad. También decora el embalaje. agua de colonia Señorita Dior de Christian Dior.
Quizás fueron los motivos del op art los que influyeron en el estilo de la marca Missoni. La empresa italiana fue fundada en 1953.
A los diseñadores de la Casa Missoni les encanta jugar con el tema del op art en el desarrollo de textiles.
El arte óptico alguna vez causó conmoción y sorpresa a mediados del siglo XX. Ahora se ha convertido en un clásico y muchos diseñadores encuentran inspiración en sus abstracciones en blanco y negro. Colecciones enteras de ropa están dedicadas a este increíble arte.
Los modelos de la colección otoño-invierno 2009-10 del joven diseñador Kashio Kawasaki están dedicados al trabajo de Bridget Riley.
Al diseñador ruso Vyacheslav Zaitsev le gusta abordar el tema del op art.
Se presentaron varios modelos de la colección primavera-verano 2009.
en la Semana de la Moda Rusa en Moscú.
