Căutăm op art în haine. Stilul op art în îmbrăcăminte Istoria artei optice
Numele stilului op art vine din limba engleză. „op art”, abreviere pentru optical art - „optical art”. Această mișcare neo-avangardă a artei abstracte a apărut în anii 1950 și s-a răspândit în Europa și în Statele Unite în anii 1960. A devenit una dintre alternativele intelectuale la arta pop mass media.
Artiști op art precum Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz și alții au creat spațial iluzii opticeși imitarea mișcării cu ajutorul unor forme geometrice simple care se repetă și curg una în alta.
În fotografie: model Versailles de la fabrica Bisazza, design Braga Marco.
Deși a avut puțin efect asupra arhitecturii, op art a avut o mare influență asupra designului grafic și decorațiunii interioare. Astfel, pereții au fost acoperiți cu tapet multicolor cu moire și modele concentrice care imit mișcarea și vibrația, sau decorați cu panouri mari de perete („Supergraphics”). Pentru a crește vizual volumul camerei, s-au folosit diverse efecte optice. Exemple vii Aici pot servi faimoasa piscină pictată și o scară cu balustrade „adevărate” care coboară în ea, precum și o „ușă” ușor deschisă către o încăpere inexistentă. Iluzia mișcării spațiale, a înălțării și a îmbinării formelor a fost realizată cu ajutorul contrastelor ascuțite de culoare și tonal, repetări ritmice, intersecția configurațiilor spiralate și rețelei și linii de răsucire. Schimbarea instalațiilor luminoase, s-au folosit adesea design-uri dinamice, s-au folosit materiale cu suprafețe reflectorizante (metal, sticlă, plastic) și diverse țesături.
- 1 din 1
In fotografie:
Designul mobilierului a fost dominat de linii netede, curbate, combinații de culori contrastante (alb – negru). Cel mai adesea a fost realizat din materiale transparente cu o suprafață reflectorizantă (sticlă, plastic, fire metalice împletite ale cadrului).
Principalele motive:
Comentează pe FB Comentează pe VK
Tot in aceasta sectiune
Oleg Lyugin, director de dezvoltare al companiei de distribuție MMS Cinema, explică de ce o companie care produce difuzoare pentru redarea muzicii ar putea fi de interes pentru designeri și consumatori.
Stilul arhitectural Mansarda, care a apărut din spațiile industriale, oferă oportunități enorme pentru imaginație. Aici, în vechile clădiri pline de viață ale fabricii, este cel mai mult idei creative.
Astăzi, multe case rusești au o cameră separată pentru mâncare. Dar nu a fost întotdeauna așa. De unde provine cantina? Cine a inventat-o și de ce a dispărut timp de aproape un secol?
Producția în masă a celor mai emblematice articole de zi cu zi a fost precedată de ani, și uneori de decenii, de cercetare inginerească. Vă prezentăm cel mai mult invenții utile pentru o casă în istorie.
În secolele precedente, decorațiuni pomi de Crăciun simboliza tradiția Evangheliei, apoi - prosperitate și bogăție. Și în secolul al XX-lea, s-ar putea afla despre evenimentele cheie din viața țării din decorarea pomilor de Crăciun din Rusia.
În zilele noastre, aproape toți părinții încearcă să aloce o cameră separată pentru copilul lor. Dar relativ recent, copiii nu aveau propriile „apartamente” sau erau foarte diferiți de azi.
Numele vine din engleză. hi-tech, abreviere pentru high technology - high technology. High-tech este cunoscut și ca stil industrial. Născut în urma postmodernismului în Marea Britanie.
Mișcare postmodernistă de design care a apărut în Marea Britanie în anii 1970 și 1980. Caracterizat printr-un refuz de a proiecta articole produse în serie în favoarea producției limitate
Numele stilului provine de la prescurtarea artă populară (engleză) - artă populară. Al doilea sens al cuvântului este asociat cu engleza onomatopeică. pop – lovitură bruscă, palmă, palmă, i.e. ceva
Numele vine din franceza. postmodernism - după modernism. Principala caracteristică a acestei tendințe este utilizarea haotică a elementelor împrumutate din stilurile istorice din trecut.
Grupul postmodern Memphis a fost fondat pe 11 decembrie 1980 la Milano de designerii Ettore Sottsass, Andrea Branzi și Michele de Lucchi.
Termenul se întoarce la francezi. rococo, din rocaille - fragmente de pietre, scoici. Rococo a apărut în Franța în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Perioada de glorie (aproximativ 1725-1750) a avut loc în timpul domniei lui
Stilul în arta și literatura europeană din secolul al XVII-lea - începutul secolului al XIX-lea. Numele provine din lat. classicus - exemplar și exprimă esența stilului: se concentrează pe formele artei antice ca
Conceptul principal al acestui stil este imitarea formelor naturale și utilizarea predominantă a materialelor naturale. A apărut în stilul Art Nouveau la începutul secolului al XX-lea.
Suprarealismul (franceză surréalisme - super-realism) este o mișcare artistică care s-a dezvoltat în cadrul modernismului la începutul anilor 1920 în Franța. Scriitorul și poetul este considerat fondatorul și ideologul său
Un stil care a existat în anii 1920 în principal în Rusia (în arhitectură, decorare, artă afișată, artă teatrală și decorativă, edituri, construcții, design).
Op art(din conceptul englezesc de artă optică) - crearea iluziei de mișcare pe o suprafață plană folosind forme geometrice. Atunci când creați îmbrăcăminte în stil op art, sunt folosite culori contrastante luminoase.
Istoria apariției
În 1938, Victor Vasarely și-a prezentat pictura „Zebre”, care a devenit prima lucrare iconică în stilul op art. În același timp, pentru prima dată, o nouă geoprint a început să fie folosită pe gențile la modă. Acasă Hermes, dar stilul a câștigat popularitatea finală abia în 1965, când lucrările din acesta au fost prezentate la New York la expoziția „The Responsive Eye”.
În același timp, Yves Saint Laurent și-a îndreptat atenția către imprimeurile geometrice și a lansat o colecție de rochii de cocktail. silueta dreaptă cu celule mari luminoase. Aceste rochii au avut cea mai obișnuită și simplă croială fără mâneci și guler. Numele rochiei a fost dat în onoarea inspirației - „Modrian”.
Marele couturier a fost urmat de: creatorul fustelor mini Mary Quant, Larry Aldrich, Andre Courrèges - toți au lansat rochii și accesorii cu imprimeuri geometrice neobișnuite și forme în stilul op art. Concomitent cu lansarea colecțiilor acestor designeri, revistele de modă au început să imprime pe paginile lor fotografii cu oameni care poartă haine cu modele de pătrate, triunghiuri și diamante. Imprimeul geometric în diferite variante a fost recunoscut ca simbol al deceniului.
În 2001, a avut loc o revigorare a acestei imprimări. Op art în îmbrăcăminte a apărut pe paginile Vogue franceză. Zece ani mai târziu, designerii de modă au început să folosească acest stil în îmbrăcăminte în masă. Rochii cu modele geometrice au fost prezentate de toate casele de modă de top, iar designerii de modă care lucrează sub marca Louis Vuitton rochii brodate cu pietre netede multicolore.
Cu ce și cum să porți haine op art?
Cel mai bun mod de a arăta elegant este să combinați îmbrăcămintea op art cu articole de garderobă de culoare uni. În acest fel, cu siguranță nu vă veți supraîncărca aspectul cu imprimeuri și culori active.
Dacă aveți un simț al stilului dezvoltat în mod natural, atunci puteți amesteca cu înțelepciune diferite imprimeuri geometrice într-un singur aspect sau puteți purta haine op art împreună cu motive florale, orientale și animale. Dacă doriți să creați un aspect la modă cu două geoprinturi, atunci rămâneți la regula unei singure culori: ambele articole din garderoba dvs. trebuie să aibă cel puțin o nuanță comună.
Din punct de vedere vizual, o astfel de îmbrăcăminte poate ascunde aproape orice imperfecțiuni ale figurii, poate alungi silueta și poate elimina excesul de volum. Cu cât articolul este mai simplu pe măsură, cu atât va arăta mai bine. Atunci când alegeți îmbrăcămintea op art, este necesară o potrivire obligatorie. Cu ajutorul acestuia, puteți evalua cât de bine arată imaginea.
Astăzi poți găsi o mare varietate de ținute, care diferă prin croială, stil, croială și culoare. Dar unele dintre cele mai uimitoare sunt, poate, cele create în stilul op art.
Istoria artei op
Ca tendință la modă, op art în îmbrăcăminte a apărut la limita anilor 50 - 60 ai secolului trecut și a devenit unul dintre noile produse ale vremii. Numele este prescurtat; este pronunțat în întregime ca „artă optică” și este tradus din engleză în sensul literal al cuvântului - artă optică.
Esența sa constă în faptul că, cu ajutorul formelor geometrice repetate în mod repetat, se creează un efect de volum sau de mișcare pe o suprafață absolut plană. Suntem familiarizați cu astfel de desene de mult timp, dar nu ne-am gândit niciodată cum se numesc.
La început, op art a fost folosită de artiști. Și, conform datelor istorice, fondatorul acesteia a fost un anume Victor Vasarely, care și-a pictat legendara pictură „Zebre” în 1938.
Designerii americani au fost primii care au decis să folosească iluzia în țesături. Datorită noii abordări, au reușit să creeze ținute care au „netezit” vizual silueta, făcând pieptul și șoldurile mai expresive și talia mai subțire.
Unul dintre ei a fost Yves Saint Laurent, care a folosit mari și rochii de cocktail pentru toamna-iarna 1965-1966. În zilele noastre, op art a revenit datorită Vogue, care a publicat fotografia „Op position” în 2001, unde au fost folosite printuri optice.
Artiștii moderni sunt capabili să creeze astfel de desene încât să se miște în valuri sub privirea noastră sau să își schimbe forma. Deși dacă te uiți cu atenție, pare că totul rămâne așa cum a fost și în același timp, din nou, pare că ceva s-a schimbat. O abordare interesantă trebuie să spun.
Op art astăzi
Moda înaltă nu stă niciodată deoparte de astfel de inovații și, prin urmare, op art în îmbrăcăminte ar putea fi găsită atât anul trecut, cât și anul acesta. Mai mult, și-a găsit în mod regulat utilizarea în multe colecții de la cele mai cunoscute mărci. Astfel, mărcilor Alexander McQueen, Anna Sui, Roberto Cavalli, Yves Saint Laurent, Climence Ribiero, Top Shop și multe altele au plăcut formele geometrice.
Au folosit pe scară largă romburi, triunghiuri, linii oblice și drepte, precum și modele netede de flori și forme pur și simplu abstracte. În ceea ce privește culoarea, regula principală aici este o combinație de contraste și culori strălucitoare, așa că hainele în acest stil nu pot fi gri și discrete. Cele mai importante nuante, desigur, sunt alb-negru. Puteți crea cele mai incredibile variații din ele.
În sezonul toamnă-iarnă 2012-2013, ținutele din acest stil au putut fi văzute în lucrările lui Rochas, Prada, Versus și Miu Miu Și doar uitați-vă la colecția de haine de primăvară de la Louis Vuitton pentru 2013, unde modelul principal a fost folosit alb-negru, galben, verde, maro și alte culori strălucitoare.
Reguli pentru alegerea hainelor în stil op art
Când cumpărați haine în stilul op art, trebuie să înțelegeți că cu ajutorul lui puteți obține un aspect mai perfect. Astfel, liniile întunecate de-a lungul părților laterale fac vizual o femeie mai subțire, iar liniile orizontale de-a lungul întregii lungimi a rochiei pot transforma o fată subțire cu un bust mic într-o frumusețe destul de expresivă. La fel, modelele verticale te fac să pari mai înalt.
Este foarte bine să folosești aceste haine pentru fetele plinuțe. Poate fi efectuată folosind metoda franceză, care are ca scop evidențierea principalelor avantaje ale figurii, sau metoda rusă, concepută pentru a ascunde defectele.
Dar atunci când îți creezi imaginea din astfel de ținute, trebuie să fii extrem de atent să arăți frumos, și nu strălucitor și inestetic. Pentru a face acest lucru, trebuie avut în vedere faptul că, dacă aveți un costum în care atât partea de sus, cât și cea de jos conțin așa-numitele imprimeuri psihedelice, trebuie să alegeți accesorii care să fie monotone și cât mai calme. Un clutch monocromatic și aceiași pantofi vor merge bine cu toate acestea.
Dacă doriți, puteți chiar să combinați două imprimeuri geometrice diferite, principalul lucru este că au aceeași schemă de culori sau aceleași forme ale modelelor. Cu toate acestea, este foarte posibil să combinați op art cu modele complet diferite - animale sau florale. În acest din urmă caz, este important ca unul dintre ele să fie dominant, iar celălalt complementar.
Iată-l directie interesanta, care cu siguranță trebuie să i se acorde atenție dacă vrei să arăți frumos și neobișnuit.
Anii șaizeci au devenit deceniul subculturii tineretului, al modei și minimalismului excentric „hârtiei” și „plastic”. europeană şi Adolescenți americani au protestat împotriva politicilor statelor lor, demonstrând atitudine negativă către o societate de consum prin îmbrăcăminte la mâna a doua. Ignorarea modelelor de designer de către tineri nu a împiedicat debutul de mare profil al lui Yves Saint Laurent și Valentino Garavani, care a avut loc și în „nebunii ani șaizeci”. „Dacă îți amintești de anii 60, atunci nu erai în viață”, a spus producătorul The Doors, Dick Wolf.
„Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!”
Poate cea mai extravagantă tendință de modă a anilor 1960 a fost stilul spațial. În 1961, iar acest lucru a influențat nu numai dezvoltarea științei, ci și a modei. Designerii s-au inspirat din noi perspective și au început să creeze modele bizare, „străine”. Pionierul „modei spațiale” a fost designerul Andre Courrèges, ai cărui fani purtau cizme de lună și ochelari de soare sub formă de mingi de tenis. Courrèges a creat rochii scurte, asemănătoare copiilor, decorându-le cu paiete strălucitoare și accesorii neobișnuite.
Pentru astfel de modele, cele artificiale, mai degrabă decât cele artificiale, s-au dovedit a fi mai potrivite. materiale naturale- sintetice, plastic, vinil. Creatorii de modă au decorat rochii cu discuri de vinil și le-au folosit pentru a fixa elementele unui costum de baie. Metalul a fost folosit și ca material. Desigur, salopetele strălucitoare, căștile cu forme bizare și scuturile pentru ochi nu au prins rădăcini pe străzi, dar podiumurile de la acea vreme erau pline de modele „spațiale” neobișnuite, create de designeri de modă celebri și.
Moda fibrelor sintetice a crescut treptat într-o tendință de a crea haine din materiale care au fost folosite anterior în scopuri complet diferite. Designerii au experimentat cu materiale făcute pentru costume spațiale, îmbrăcăminte sportŞi uniformă militară. Modelele au pășit pe podium în haine din vinil și dacron, care, în comparație cu moda conservatoare pariziană din deceniile precedente, arăta super original și chiar revoluționar. Excentricitatea ținutelor propuse de designeri a fost considerată un plus - pentru mulți, anii 1960 au trecut sub motto-ul: „Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!” Odată cu tendințele „plastic” și „vinil”, a avut loc și un „boom hârtie” în lumea modei în această perioadă.
În 1966, în SUA, fabrica lui Scott a început să producă îmbrăcăminte pe lângă articolele de uz casnic din hârtie. Modelele de hârtie au venit în două culori - alb-negru și galben-negru-roșu. Colecția s-a numit „Explosion of Color” și s-a recomandat să fie schimbată cu foarfecele și reparată cu o coală de hârtie. O rochie similară putea fi purtată de până la cinci ori, iar modelele de modă „de hârtie” erau vândute în magazine speciale. Producătorii au prezentat noile costume ca întruchiparea unei idei inovatoare strălucitoare și a unei opere de artă modernă.
Prinse noua tendinta V producţie în masă, designerii au început să creeze modele de hârtie. Jurnaliştii şi publicul i-au numit pe Eliza Dabbs şi Harry Gordon, care produceau rochii pentru trei dolari bucata, „couturieri de hârtie”. Cu toate acestea, nu toți designerii au fost atât de democratici - adesea prețurile pentru modelele din hârtie puteau fi comparate cu ținutele couture. În New York, pe Madison Avenue, s-a deschis boutique-ul Paraphenalia, care vinde plastic super la modă și haine de hârtie. „Oricine tratează hainele cu patos este dezgustător, la urma urmei, acestea sunt doar haine. Ar trebui să fie amuzante, nu pot fi luate în serios”, unul dintre fondatorii Paraphenalia, Paul Young, care a fost co-fondator al magazinului de cult. , a exprimat sentimentele în rândul tinerilor.
Artă în modă
Pe fundalul popularității picturilor „Green Coca-Cola Bottles” și „Campbell Soup Cans”, Warhol a început să-și transfere celebrele desene pe țesătură, creând haine din propriile sale schițe, a lansat „Sticlă”, „Fragilitate”. rochii și cămașa „Soup”, care a devenit populară „Campbell”. Desenele în stilul pop art au fost, de asemenea, folosite de alți designeri în modelele lor, făcând transferul repetat al obiectelor familiare pe țesătură una dintre cele mai izbitoare tendințe de modă ale anilor 1960.
Dacă influența cinematografiei asupra modei s-a simțit în deceniile precedente, atunci pictura a pătruns în industria modei tocmai în anii șaizeci. O altă tendință care s-a reflectat pe scară largă în îmbrăcămintea de masă a fost stilul op art. Picturile realizate în acest stil s-au bazat pe efecte de lumină și pe contrastul culorilor alb-negru. Tendința de a exprima sentimentele umane folosind efecte optice a început în anii 1950 și s-a răspândit la mijlocul anilor 1960. Pânzele contrastante alb-negru i-au făcut adesea amețiți pe spectatori, iar designerii de modă au fost atrași de stilul op art prin simplitatea și noutatea sa grafică. De obicei, astfel de modele de îmbrăcăminte erau de croială simplă, care, totuși, a fost mai mult decât compensată de imaginile distorsionate reprezentate pe țesătură. forme geometrice, cercuri stilizate și spirale și dungi monocrome. „Noul val de design pe țesătură a fost numit op art. Arhitectura modernă și pictura au devenit baza designului”, a scris revista Neue Mode în 1966.
Moda nouă, oarecum excentrică, a fost extrem de populară în rândul adolescenților. Printre creatorii de modă care s-au inspirat de noile tendințe în pictură s-au numărat Larry Aldrich, Andre Courrèges,. Acesta din urmă, în 1965, a prezentat publicului o colecție bazată pe opera unuia dintre fondatorii picturii abstracte, Piet Mondrian. Creatorii de modă au oferit o mare varietate de accesorii nebunești și contraste de culoare, dar juxtapunerea alb-negru a devenit adevăratul hit al deceniului. Începând cu anii 1960, designerii s-au inspirat constant din alte forme de artă, confirmând astfel că frumusețea nu este o categorie constantă, ci una variabilă.
„Radical chic” și stilul subculturilor
Alături de capitalele mondiale ale modei Paris și Milano, Londra a început să-și dicteze stilul în anii 1960. Publicațiile de vârf au numit capitala Angliei un nou centru de stil și modă, iar designerii britanici, sfidând Parisul conservator, au oferit modele extravagante care au devenit un adevărat simbol al deceniului.
După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial și depășirea crizei, situația financiară din țările europene a început să se îmbunătățească. Tinerii au dedicat mai mult timp muzicii, cinematografiei și altor divertisment. Așa a pătruns moda americană pentru blugi și jachete de piele în stilul londonez, iar emigranții din fostele colonii britanice au adus stilul Indiei de Vest în capitala Angliei. Noua direcție, formată sub influența unei varietăți de tendințe și culturi, a vizat în primul rând adolescenții. Pe străzile Londrei la acea vreme se puteau întâlni pe ambii tineri ținute etnice, și „rebeli” în tricouri și blugi uzați. În 1966, Time Magazine a publicat un articol intitulat „Londra – Swing City”. La sfârșitul deceniului au fost lansate filme care reflectau spiritul revoluționar al acelei perioade: Blow-Up de Michelangelo Antonioni și The Spectacle de Nicolas Roeg. În același timp, magazinele de vânzare cu amănuntul au apărut pe strada Carnaby, care devenise un loc emblematic în „Londra swinging”. În anii 1960, buticuri ofereau tinerilor modele revoluționare, iar strada a devenit faimoasă în întreaga lume ca centru al modei independente.
Sentimentele rebele din anii '50 au trecut în anii '60. În această perioadă, chiar și adolescenții din familii înstărite s-au îmbrăcat în magazine second-hand, subliniind exclusivitatea lor și protestează împotriva societății de consum. În orașele mari, piețele cu îmbrăcăminte retro au devenit populare adolescenților nu le era frică să combine lucruri de modă veche din diferite epoci, fără să le pese de modă. În timp ce tinerii înstăriți și-au demonstrat subcultura purtând în mod deliberat haine vechi, pentru adolescenții din familii sărace această tendință a devenit o oportunitate de a se conforma tendințelor și de a nu cheltui bani. Spiritul rebel, însă, a fost ridiculizat de mulți jurnaliști, care au numit sărăcia stilizată o batjocură a sărăciei reale. Scriitorul american Tom Wolfe a vorbit despre tineri ca fiind copii capricioși care se joacă la revoluție și a numit stilul vestimentar în sine „radical șic”. Creatorii de modă, încercând să mulțumească gusturile în schimbare, au început să creeze modele în stilul anilor 30 și 40, dar hainele de designer „retro” nu erau foarte populare - contracultura ignora moda.
Respingerea stilului de doamnă și toate tendințele populare în deceniile anterioare au dus la cea mai vibrantă și masivă mișcare din a doua jumătate a anilor șaizeci - hipioții. „Copii de flori” care promovau dragostea și pacea și care nu erau de acord cu politicile statelor lor îmbrăcați în haine exotice aduse din alte țări: poncho sud-americane, tunici indiene și coifuri eschimoși. Ținutele luminoase și bogat brodate ale hipioților au fost completate cu bijuterii masive - în principal brățări și curele indiene. Filosofia hippie a devenit atât de populară încât mulți designeri de modă au remarcat declinul funcționalismului. „În contrast cu stilurile romantice și art nouveau, stilurile populare și sportive, împreună cu îmbrăcămintea mexicană colorată, se bucură astăzi de un succes extraordinar”, a scris revista Neue Mode. Motive indiene neobișnuite, strălucitoare și atractive au capturat întreaga Europă și America în anii 1960, iar tinerii purtau acum jachete „Yeti”, fuste colorate, pantaloni evazați, bluze turcești, cămăși brodate și paltoane lungi de blană. În ciuda faptului că reprezentanții subculturilor înșiși erau sceptici cu privire la modă, publicațiile lucioase au scris asta stil nou merita mare atentieși are potențialul de a avea un impact major asupra industriei modei.
La sfârșitul deceniului, îmbrăcămintea psihedelice strălucitoare din materiale artificiale a dispărut în fundal, iar stilul militar a devenit un adevărat succes. Utilizarea obiectelor militare în viata de zi cu zi a fost și un fel de protest care a urmat protestelor care au măturat Europa în 1968: așa au încercat tinerii să dea hainelor destinate bătăliilor un caracter pașnic. Camuflajul cu pete aspre a fost decorat cu simboluri ale păcii, fustele și pantofii în stil militar erau vopsite în roșu și culori roz. Reprezentanții diferitelor subculturi purtau astfel de haine, iar jachetele erau deosebit de populare dimensiuni mari cu simboluri aviație aeriană STATELE UNITE ALE AMERICII. În același timp, designerii de modă au început să experimenteze cu verdele măsliniu, numit kaki.
Tendința către minimalism și simbolul principal decenii
În anii 1960, îmbrăcămintea confecționată din țesături elastice s-a răspândit. Ideea că a avea multe haine în garderoba era incomod și că femeile se puteau descurca cu ușurință doar cu câteva modele de bază a fost vizitată de designeri de modă încă din anii 1930 și 1940. Claire McCardell în 1934 a propus înlocuirea întregii varietăți de stiluri și modele cu câteva elemente de bază, iar la începutul următorului deceniu a fost prima care a creat tricou - colanți cu mâneci lungi— și a făcut din ea baza imaginii. Lucruri de bază Garderoba creatorului de modă includea un gât negru și colanți. Ideea de a combina mai multe articole simple a devenit cu adevărat populară în anii șaizeci, când femeile erau încurajate să aibă în garderobă doar un top, jachetă, fustă și pantaloni.
Reducerea cantității de îmbrăcăminte la minim în această perioadă a devenit posibilă datorită apariției țesăturilor elastice. În anii 1960, designerul de modă Giorgio di Sant'Angelo a început să caute noi modalități de a crea țesături. A lucrat cu lână și fir acrilic și a inventat și mătasea elastică care se putea întinde în orice direcție. Atât costumele de baie, cât și topurile de seară au fost confecționate din mătase elastică și lycra. Designerul de costume Jacques Fonterey scria în 1968: „Sunt încrezător că tricoutul, sau una dintre soiurile sale, va deveni elementul vestimentar de bază al viitorului”. Fonteray avea dreptate: modelele elastice din anii 1960 au servit drept bază pentru creație. haine moderne- de la treninguri la rochii de seara.
Anii 1960 au devenit un alt deceniu care a schimbat complet ideile despre standarde frumusețe feminină. Dacă după război designerii de modă s-au concentrat pe mamele de familie și pe femeile cu curbe, atunci în anii șaizeci androginia a revenit la modă, iar celebra a devenit un simbol al noilor standarde de atractivitate. O adolescentă slabă, cu ochii deschiși naiv, a apărut pe coperțile publicațiilor de top, iar fetele din întreaga lume au început să urmeze diete stricte, dorind să fie ca idolul lor. Twiggy a devenit primul model a cărui imagine a întruchipat idealurile deceniului creatorii de modă au creat haine pentru foarte fete slabe cu figuri băieţeşti. Ea a apărut în reviste de modă și pe afișe purtând fuste mini și rochii Mary Quant și a întruchipat stilul „păpușă” care era extrem de popular în anii ’60. Împreună cu fanii ei, Twiggy a avut și răi - mulți jurnaliști au numit-o o fată dureros de slabă și „foame”, dar acest lucru nu a împiedicat răspândirea modei pentru androginie - în anii șaizeci, bărbații mergeau adesea cu par lung, iar femeile tinere au preferat tunsori scurteși rochii mini, exprimând astfel reticența de a crește.
Debuturi de mare profil din anii 1960
Anii şaizeci au marcat începutul unei cariere strălucite, care s-a declarat cu voce tare la începutul deceniului. În 1957, după moartea lui Christian Dior, Saint Laurent, în vârstă de 21 de ani, a preluat funcția de director de creație al Casei Dior. Cu toate acestea, deja în 1960, tânărul designer de modă și-a creat ultima colecție pentru brand: directorii Dior au decis că tânărul designer nu are dreptul să impună fanilor modei înalte. stil de stradă, și și-a luat rămas bun de la Saint Laurent. Doi ani mai târziu, couturierul și-a lansat prima colecție sub nume propriu, pentru care a creat un blazer la dublu, cu nasturi aurii și pantaloni de mătase. Mai târziu, designerul de modă însuși și mulți alți designeri au folosit acest model.
Yves Saint Laurent a fost unul dintre primii designeri de modă care nu s-a temut să creeze haine revoluționare în stilul op art și pop art și, de asemenea, a oferit un smoking pentru femei și ținute în stilul „Africa” și „Safari”. A combinat cu îndrăzneală cele mai strălucitoare culori, completând o rochie roz aprins cu o jachetă canar, combinând negru cu maro, portocaliu cu roșu și violet cu albastru.
Un alt debut de mare profil al deceniului a fost apariția în lumea modei a „șeicul șicului” italian Valentino Garavani. Educat la Paris, s-a întors în Italia natală la sfârșitul anilor 1950, unde a deschis o casă de modă care a prezentat lumii legendarele sale rochii roșii. Rochii strălucitoare oţel" carte de vizită„Garavani și designerul au distins treizeci de nuanțe de roșu, debutul internațional de mare profil al lui Valentino a avut loc în 1962, iar în 1968 a fost lansată celebra sa „colecție albă”, constând în întregime din lucruri. alb. În același timp, designerul de modă a folosit pentru prima dată sigla „V”. Rochiile feminine de la Valentino au devenit simboluri ale vieții de lux, iar vedetele de la Hollywood l-au inundat pe couturier cu comenzi. În 1968 rochie din dantela din Garavani, în care s-a căsătorit cu Aristotel Onassis, a apărut pe paginile aproape tuturor publicațiilor de top.
Gae Aulenti
Născut în Italia în 1927.
Arhitect și designer remarcabil.
În anii 60, ea a câștigat faima ca designer, creând mai multe lucrări izbitoare. Conceptul popular de cinetică este reflectat în designul mesei Tour Fontana Arte (1970).
În 1985, împreună cu Piero Castiglioni, Aulenti a dezvoltat sistemele de iluminat Cestello. În aspect De asemenea, puteți ghici caracteristicile artei operaționale din aceste lămpi puternice și unice.
În plus, au fost dezvoltate special pentru săli de expoziție și muzee.
Design de vase de flori
Shiro Kuramata (1934-1991)
Designerul japonez și compatrioții săi au fost în multe privințe o generație de revoluționari remarcabili ai designului.
În 1970 a creat formă neobișnuită pentru o comodă și numește creația sa Drawers in the Irregular Form Tehnologia a fost complexă, așa că abia 18 ani mai târziu compania Capellini a început să o producă.
Scaunul Cât de înaltă este luna a fost proiectat în 1986 și are un nume foarte poetic - „Cât de înaltă este luna Mesh este materialul preferat al lui Kuramata”. Strălucirea rece a celulelor amintește de lumina nopții a lunii.
Alte nume (este îndrăzneț să spunem că aceste creații au fost influențate într-o măsură mai mare de op art. Poate că aici sunt exprimate tehnicile artei optice, dar nu stilul pur al anilor 60 în sine).
A. Taylor. Masuta de cafea Butterfly
Și în sfârșit, subiectul meu preferat
În anii 60, tinerii s-au străduit pentru libertate și emancipare. De acum, băieții și fetele au vrut să arate strălucitori și extravaganți a fost cel mai bun mod de a scoate în evidență o individualitate strălucitoare din mulțime.
Poate cei mai înfocați fani ai op art au fost moda.
Mods - sau altfel „moderniști” - ca prima subcultură a apărut la Londra la începutul anilor '60. S-au distins prin pozarea excesivă, au mers cu scutere pe străzile Londrei și s-au poziționat ca oameni cu gust unic. Fashioniștii au fost primii care au aflat despre noi produse din domeniul designului, muzicii și artei și au considerat că este de datoria lor să se înconjoare cu lucruri stilate.
Tema preferată a tipilor englezi a fost op art. Fotografii originale ale modurilor. anii 60
Stilul Mod este încă unanim recunoscut ca stilul anilor şaizeci, exprimat în îmbrăcăminte.
Stilul de modă este internațional și este popular aici în Moscova petreceri distractive modificări care sunt permise numai în haine în stilul anilor şaizeci.
Anii 60 sunt asociați cu numele designerului de modă Mary Quant. Tânăra englezoaică, care se mișcă în cercurile tineretului elegant din Londra, era foarte conștientă de spiritul vremurilor Ea a întruchipat toate cele mai bune tendințe în îmbrăcămintea fashionistelor în modelele ei. Deși, în esență, noua moda-Foarte rochii scurteși paltoane, modele geometrice și pantofi plat - a fost conceput doar pentru cei tineri și zvelți, până la sfârșitul anilor 60 toate femeile îmbrăcate așa Tinerețe au devenit un cult.
Coaforul de celebritate Vidal Sassoon creează actuala coafură Mary Quant
Bazaar este primul magazin de îmbrăcăminte Mary Quant din prestigioasa zonă londoneze Chelsea
Mary Quant a folosit inițial un model real în modelele ei.
Modelele mari contrastante erau cele mai potrivite pentru rochiile drepte și în linie A.
În același timp, în America avea loc un turneu al trupei de cult The Who și al expoziției The Responsive Eye O fuziune a culturilor americane și europene. Op art a devenit acum extrem de populară printre fashionistele europene.
În 1966, compania Scott Paper a inventat rochia de hârtie, destinată ca instrument de marketing în publicitate Pentru un dolar, femeile puteau să-și cumpere o rochie și, de asemenea, să primească cupoane pentru produsele companiei Rochia de hârtie, lipsită de formă și neatractivă o invenție de creditat serios, dar femeile au surprins compania comandând o jumătate de milion din aceste rochii pe parcursul unui an. Mulți le-a plăcut rochia, care poate fi „recupată” cu ușurință pur și simplu cu foarfecele și, de asemenea, nu le deranjează să arunce. îndepărtați-l dacă se murdărește.
Imprimeul cu model optic este unul dintre cele mai populare modele pe rochii de hârtie.
Bridget Riley și Victor Vasarely aveau opinii opuse,
când era vorba de comercializarea muncii lor. În timp ce Vasarely credea că arta operațională ar trebui să fie accesibilă tuturor și artiștii ar trebui chiar să colaboreze cu companiile textile, Riley a reacționat iritată la faptul că munca ei a fost folosită în scopuri comerciale. Ea credea că arta ei a fost transformată în „cârpe vulgare” și odată și-a exprimat public indignarea față de o marcă din New York, a depus un proces, dar fără rezultat.
Poate că muncitorii din textile au fost primii care au apreciat noua artă. Companiile de producție de țesături au angajat tineri artiști pentru a dezvolta modele actuale. Noi posibilități de sintetice (transparență, strălucire, materiale plastice), proprietățile sale optice au făcut posibilă o mai bună exprimare tendințele modei.
Barbara Brown.
Design pentru țesătură „Expansion”. Compania lui Heal. 1965
În anii 60, a apărut faimosul model alb-negru al unei celule, pe care îl numim „picior de pui”. Acest desen este încă relevant astăzi și este adesea folosit în haine clasice calitate superioară. El decorează și ambalajul apa de toaleta Miss Dior de la Christian Dior.
Poate că motivele op art au influențat stilul mărcii Missoni. Compania italiană a fost fondată în 1953.
Designerii Casei Missoni adoră să se joace cu tema artei operaționale în dezvoltarea textilelor.
Op art a provocat odată șoc și surpriză la mijlocul secolului XX. Acum a devenit un clasic și mulți designeri își găsesc inspirație în abstracțiile sale în alb și negru.
Modelele din colecția de toamnă-iarnă 2009-10 a tânărului designer Kashio Kawasaki sunt dedicate lucrării lui Bridget Riley.
Designerului rus Vyacheslav Zaitsev îi place să abordeze subiectul artei operaționale.
Au fost prezentate mai multe modele din colectia primavara-vara 2009
la Săptămâna modei din Rusia de la Moscova.
